Come insegnante nel programma di Event and Exhibition Design presso SPD, come integri la tua vasta esperienza in media, gestione eventi e strategia creativa nel curriculum?
It’s still a journey, to be honest. Compared to the span of my career, I’m relatively new to the event industry. When I entered the field in 2017–18, I had no prior experience or knowledge of it. I naturally leaned on skills from my background in video production and content development, gained in both structured companies and indie projects in Italy and the UK.
This outsider perspective shaped my approach. I had to wing it, so to speak, and turn what could have been a disadvantage (lack of experience) into an opportunity to bring fresh angles and methods to the mix. This approach has influenced my teaching. By integrating diverse elements and viewpoints, I try to encourage students to think like outsiders too: always curious, always questioning.
For me, being an outsider isn’t a limitation — it’s a mindset I strive to maintain, both in teaching and in practice.
Nel tuo ruolo a SPD, come unisci le tecniche di narrazione che hai affinato nella tua carriera creativa con gli aspetti tecnici e logistici del design di eventi e mostre?
Come qualcuno che ha spesso operato all’intersezione della creatività e della produzione, credo fermamente che le idee — storie, concetti, narrazioni — siano al centro di qualsiasi progetto di successo. Tuttavia, senza solide fondamenta tecniche e logistiche e una produzione impeccabile, anche le migliori idee sono destinate a fallire, indipendentemente dalla scala o dal tipo di evento.
Alcune delle menti creative migliori con cui ho avuto il piacere e il privilegio di lavorare sono quelle che tengono sempre d’occhio la produzione — infatti, spesso iniziano ponendo domande pratiche. Allo stesso modo, quando i team di produzione si impegnano a comprendere veramente la visione creativa e il processo al di là della sua semplice superficie, offrono un supporto inestimabile che consente ai creativi di eseguire le loro idee con precisione. In questa armonia, possono succedere tutte le cose positive.
Questo è l’approccio che porto nell’insegnamento, incoraggiando gli studenti a esplorare liberamente le loro idee durante lo sviluppo del concetto, considerando sempre il contesto e le sfide potenziali. Questo equilibrio è ciò che trasforma le idee in design impattanti e ben eseguiti.
Il mondo del design di eventi e mostre è in continua evoluzione. Come fai in modo che il programma di SPD rimanga rilevante e prepari gli studenti a navigare le nuove tendenze del settore?
Non c’è una risposta diretta, credo, quindi mi piace guardare la questione da angolazioni diverse.
Prima di tutto, mi concentro su esempi chiave e eventi significativi degli ultimi venti anni circa. Questo aiuta gli studenti a identificare quali tendenze hanno avuto un impatto duraturo e sono diventate game changers, rispetto a quelle che sono state fugaci frenesie. Analizzando questi esempi, possono iniziare a riconoscere pattern e comprendere perché alcune tendenze perdurano.
Quando ci spostiamo verso le tendenze attuali — sia nel nostro campo che in aree adiacenti come tecnologia, affari, moda, sport, cultura o intrattenimento — diventa più facile tracciare connessioni con il passato.
Questo processo fornisce agli studenti gli strumenti per valutare criticamente le tendenze e fare scelte informate che si allineano con il futuro del design di eventi e mostre.
Che ruolo gioca la tecnologia nel design moderno di eventi e mostre? Come viene riflesso nel programma di SPD, in particolare in aree come i media interattivi o la narrazione digitale?
La tecnologia gioca un ruolo enorme, ovviamente, forse non nel modo in cui ci si potrebbe aspettare. I professionisti degli eventi, più di quelli in molti altri settori dell’intrattenimento, si sforzano costantemente di rimanere aggiornati con le ultime tendenze tecnologiche. Tuttavia, spesso si trovano ad affrontare tempi stretti e budget ancora più ristretti, il che significa che la tecnologia all’avanguardia non è sempre un’opzione.
Ciò che fa davvero la differenza è la capacità di integrare la tecnologia in modo organico e fluido — non solo nel design e nell’esecuzione, ma fin dall’inizio, durante lo sviluppo del concetto. Le domande chiave sono sempre: “Abbiamo veramente bisogno di questo, o è solo un espediente? Aggiunge significato, o è semplicemente la novità del mese?“.
Nel programma di SPD, trattiamo la tecnologia come uno strumento — non la star dello spettacolo, ma un abilitatore per creare eventi emotivamente coinvolgenti e di impatto. Il nostro obiettivo è insegnare agli studenti come usare la tecnologia in modo riflessivo e intenzionale per potenziare la narrazione e il coinvolgimento.
In una recente intervista con Eventaddicted.com, il mio amico Giacomo Carissimi dell’agenzia Ground Control di Milano ha parlato dell’Eclecticismo, un approccio filosofico che attinge a dottrine, teorie e metodi diversi, selezionando gli elementi più utili per creare un sistema coerente. È un concetto che ripeto spesso in classe: guardare oltre l’ordinario per trarre ispirazione e non scartare nulla — che sembri troppo alto o basso.
Nel periodo d’oro dell’industria pubblicitaria, quando il campo si stava ancora formando, le persone traevano ispirazione dal cinema, dalla musica e dalle arti visive. I professionisti esperti gestivano la parte commerciale, mentre i giovani creativi portavano idee fresche e innovative. Oggi, le industrie creative e dell’intrattenimento tendono spesso a riciclare le stesse idee basandosi sugli stessi riferimenti, riprendendo pigramente il lavoro di altri, che a sua volta si basa sul lavoro di altri, e così via.
Le nuove generazioni — i nostri studenti — sono naturalmente fluenti nelle competenze digitali, parlano la tecnologia come fosse la loro lingua madre, mentre noi spesso la affrontiamo come una lingua secondaria. Sanno cosa è cool e fresco, cosa ha senso e cosa no. Ma ciò di cui hanno bisogno è guida e conoscenza, e qui entriamo in gioco noi.
Per farla breve, non sono qui per insegnare agli studenti a semplicemente adattarsi o a gestire le loro aspettative. Né voglio mostrare loro come le cose dovrebbero essere fatte. Piuttosto, credo che siamo qui per aiutarli a sfruttare la loro individualità e le loro abilità uniche, offrendo strumenti, esperienza e opportunità.
Alla fine della giornata, si tratta di ispirare e supportare gli studenti affinché lascino il loro segno nel mondo globale del design di eventi e mostre.
Come professionista che ha lavorato attraverso culture e industrie, come prepari gli studenti ad adattarsi alla natura globale del design di eventi e mostre?
Con la crescita delle tecnologie immersive e degli eventi su scala globale, come vedi evolversi il ruolo dei laureati in Event and Exhibition Design all’interno delle industrie creative più ampie?
Come molti leader del settore affermano, incluso il grande Marco Balich, gli eventi sono unici perché ci permettono di usare tutti gli strumenti a nostra disposizione nel laboratorio creativo. Anche se non arriverei a chiamare gli eventi “l’ottava arte”, essi uniscono spazio, tempo, parole, suono e immagini, comprese le immagini in movimento, in un’esperienza potente e coerente.
A questo si aggiungono le ultime tendenze dei consumatori nel nostro mondo post-COVID, dove ogni cosa — dalle vacanze alla gastronomia — deve essere un’esperienza, ed è chiaro che stiamo vivendo in una Golden Era degli eventi.
La domanda di esperienze immersive e emotivamente coinvolgenti non è mai stata così alta. Per i laureati, questo rappresenta una grande opportunità. Entrando in un settore ricco di potenziale, non solo prospereranno nel design di eventi e mostre, ma svilupperanno competenze e approcci trasferibili che possono rivelarsi preziosi anche in altri settori creativi e dell’intrattenimento.
La chiave è rimanere adattabili, innovativi e pronti a soddisfare la crescente domanda di esperienze significative e coinvolgenti.
Infine, che consiglio daresti ai futuri designer che desiderano lasciare un impatto in questo settore dinamico e interdisciplinare?
C’è una scena in “The Driller Killer” (1979), il secondo lungometraggio del leggendario regista newyorkese Abel Ferrara, in cui un mercante d’arte dice a un pittore che sta per diventare un serial killer: “La cosa peggiore che possa capitare a un pittore sta succedendo a te, stai diventando semplicemente un tecnico.” Quella frase mi è sempre rimasta impressa.
So bene che questo è un lavoro e dobbiamo prenderlo come tale, e so che la maggior parte delle persone che finiranno per lavorare in questo settore dinamico, interdisciplinare e estremamente consumante ha poco o nessun talento. Lo so perché sono uno di loro. Tuttavia, in questo campo hai talento o passione, e puoi essere appassionato solo quando sei costantemente curioso al riguardo — come uno studente o un amatore.
Per dirla semplicemente, il mio consiglio poco “da insegnante” è: “Non pensare mai a te stesso come un professionista (o potrebbe trasformarti in un serial killer)”.